Teatro No

Antigua forma de teatro clásico japonés, cantado y bailado, muy influido por los principios del budismo Zen. El no se desarrolló como fusión del degaku (danzas folclóricas que celebran la plantación del arroz) y el saragaku (un entretenimiento popular de las aldeas que combinaba mimo, acrobacias y payasos). Fue refinado hasta convertirse en una teatro más serio durante el siglo XIV de la mano de Kanami Kiyotsugu. Pero fue su hijo, Zeami Motokiyo, quién perfeccionó el no bajo el mecenazgo del sogunado Ashikaga a principios del siglo XV. La mayoría de las obras que hoy se representan fueron escritas por él.

Hay cinco categorías de obras no: las que tratan de un dios, un guerrero, una mujer, un loco, o un demonio. En el no, sólo actúan hombres, que realizan también los papeles femeninos cuando es necesario. El shite (actor principal) lleva una mascara tallada en madera y está apoyado por un waki (actor secundario). Los diálogos entre ambos son altamente estilizados, unidos por una narración y a veces el coro cana los pensamientos del shite arrodillado a un lado del escenario. El acompañamiento lo proporcionan tres tambores y una flauta. La obra normalmente termina con una danza solemne durante la cual el fantasma del personaje principal se desahoga de su angustia o lucha interna. Las representaciones incluyen varias obras, entre las que se intercalan kyogen (farsas).

La intención del no tiene poco que ver con el realismo interpretativo o escénico, tampoco posee demasiado conflicto dramático. En su lugar, la representación se concentra en evocar la cualidad de yugen, la belleza interior que subyace a la superficie. Al estar basado en los principios del Zen, todo destila su propia esencia; los movimientos de los actores son pocos y medidos, las máscaras tienen una extraordinaria belleza, las propiedades son simbólicas y el mismo escenario de madera tiene la forma de un altar, desprovisto de accesorios, donde sólo aparece un pino pintado sobre el muro de fondo.

Teatro del absurdo

Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940, '50 y '60 y, en general, el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre. A través del humor y la mistificación escondían una actitud muy exigente hacia el arte.

Emerge en el París de los años cuarenta y principio de los cincuenta, en especial, en las obras de Arthur Adamov, Fernando Arrabal, Samuel Beckett, Jean Genet, Eugene Ionesco y Jean Taridue.

Sus raíces pueden encontrarse en las obras de  "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca, en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll, en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce y Franz Kafka, en el drama gortesco de Alfred Jarry; y en las farsas fráticas de Georges Feydeau; obras que tuvieron como continuadores directivos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. Una de las fuentes teórica más potentes del teatro del absurdo fue el teatro y su doble, obra originariamente publicada en 1938 de Antonin Artaud, creador del estilo del teatro de la crueldad.

En sus orígenes los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad, lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. Es por ello que las imágenes del teatro del absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía, el sueño y la pesadilla, sin interesarle tanto la aparición  de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor. Así, por ejemplo, la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte, a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo, mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos.

Comedia del Arte

La comedia del arte es la comedia hecha por actores profesionales y se contrapone a la commedia erudita cuyo texto se escribía íntegramente. De ahí a que se considere como teatro de improvisación. En realidad cada actor tenía un repertorio de frases y bromas a partir de las cuales construía su papel.

La comedia del arte nace aproximadamente en el siglo XVI, cuando compañías como "los celosos" comienzan a difundir por toda Europa éste tipo de teatro, en el cual había un Cannovaccio, es decir, una estructura de sucesos predefinida y lo que se improvisaba, era el texto en si. 

Las obras se dividían en tres actos, tenía una trama definida y una serie de personajes arquetípicos, dentro de esos dos límites los actores podían improvisar. Los temas solían ser enredos, los celos, etc. La proporción de textos y gesticulación podía variar en función del país donde estuviera actuando la compañía, en países extranjeros había menos gags verbales y más visuales.

Los personajes masculinos llevan máscaras, no así los femeninos (Colombina). Aún así la comedia del arte es un teatro de media máscara, por lo que le permite al comediante poder hablar. De hecho en las compañías de comedia del arte había actrices, mientras que por aquellos tiempos en las compañías de teatro inglesas sólo estaban formadas por hombres, que hacían los papeles de mujer en travesti.